湾仔香港艺术中心｜香港艺术中心旗舰展览「场域・碰撞・协作」 七位 组艺术家及团体以创作深度对话 探索艺术的多重宇宙

活动简介

香港艺术中心（中心）宣布，将于2026年8月26日至9月20日期间举办旗舰展览「场域・碰撞・协作」，以开放邀约的形式邀请来自本地、内地及海外的七位/组独当一面的艺术家及团体组成四组关系轴线，分别为方力钧 × 公众、陈育强 × 松井紫朗、冯永基 × Picture Rhythm Studios （PRS） 、Juri Hwang × Andreas Kratky ，藉着四轴之间的协作碰撞，来一场深度对话，展示各自最新的创作轨迹，同时共同产生一个跨空间的场域回应性的艺术展览，将香港艺术中心静态的艺术空间转化为一个有机协作体。香港艺术中心的空间承载香港美术史与展览史的累积记忆；这段机构历史是一个可被艺术家重新激活与不断推前延续的未来历史。

超越一般群展 四组艺术家深度对话 

「场域・碰撞・协作」以三个相互扣连的词语概括展览核心：「场域」指向香港艺术中心的建筑与历史脉络，强调创作对空间的回应；「碰撞」代表不同创作宇宙之间遭遇的催化时刻；「协作」则标示从对话与摩擦中生成的新可能。标题中的间隔号（・）不是分隔，而是连结，象征三种状态处于持续的动态关系之中。

七位艺术家共四组轴线，每位参与者先携同其独特的艺术语言登场，表现形式涵盖陶艺、绘画、影像、互动装置、数位艺术、科技艺术等传统或前沿艺术形态，创作物料则包括古建筑碎片、回收废物、塑胶片、鱼线、霓虹灯、X光片等。经历对话与碰撞後，两种艺术语言将展示共存、交叠或融合的状态，最後甚至发展出意想不到的艺术呈现，孕育出彼此渗透的「第三种声音」。展览超越一般艺术家群展，是一场探索两种艺术宇宙如何在相互引力中建立连接的有趣实验。

• 方力钧 × 公众：方力钧将于中心入口展出以海洋废弃物创作的「海洋生态系列」作品，此系列曾于曼谷及上海等地展出， 并大获好评，而该系列是首次在香港亮相。方氏以回收物料回应环境议题，探讨艺术、公共空间与社会的关系。2026年亦是一次别具意义的回归。继1993年于香港艺术中心举办首次香港展览後，方氏时隔33年重返同一场地，展开一场跨越时间的创作对话。观众将到港岛大浪湾进行海岸清洁，以拾来的塑胶废物转化为创作材料，共同创造大型艺术装置，与方力钧以海洋废物为主题的艺术品并置展出，让公众的声音得以纳入其中。
• 陈育强 × 松井紫朗：两位只有一面之缘，策展人凭藉策展直觉，看到他们拥有相似的创作及愈三十年的大学教学双轨迹，同样透过创作叩问人类生命与宇宙之间的关系，因而将二人系在一起。他们会将自然、宇宙与生命元素纳入作品之中，以陶瓷、光影、自然媒介建构微型宇宙并对「边界／穿透／容器」的概念展开持续探究。由此探索人类与万物秩序的关系，令观众反思自己究竟在这浩瀚宇宙中到底是以何处、何时、以何种方式存在。
• 冯永基 × PRS：一条跨世代、跨领域的协作轴线，由建筑师兼当代水墨艺术家与擅长数码艺术及舞台设计的创作者共同展开。两人以香港作为方法，以空间作为命题，在历史与未来、自然与身体、光影与记忆之间持续对话。透过历史瓦片、身体记忆与数码光影的交织，重新演绎香港的过去、当下与未来，探索城市与人的多重连结。
• Juri Hwang × Andreas Kratky：一对分别来自德国及韩国的伴侣艺术家，共同带来跨越文化背景与创作领域的艺术实践。他们的合作交织科技与身体经验、演算与记忆、空间感知与家庭历史。透过演算科技与母系记忆的对话，探索空间感知、身份建构与生命传承之间的深层连结。

场馆由单纯的展览空间蜕变为连结作品与观众的互动平台

另外，在四组创作单位的共同参与下，展览将于香港艺术中心不同空间展开，打造一场贯穿整个展区的艺术体验。从中心大堂的赛马会展廊到包氏画廊，艺术作品将分布于不同楼层和角落，引领参观者在探索空间的同时，与作品展开互动和对话。展览突破传统展览模式，让建筑空间成为艺术呈现的重要部分。作品不仅融入场地之中，也因不同空间而展现出独特面貌。透过艺术家、作品与观众之间的交流，参观者将获得一场充满启发的沉浸式艺术体验。

自2009年起，旗舰展览一直作为展示亚洲当代艺术视野的核心平台，汇聚各地创作者推动跨区艺术交流。展览历年以来与多位拥有丰富经验的客席亚洲策展人合作，藉着他们的眼界与选材，一起探索能反映该地区精神面貌的艺术理念。昔日旗舰展览包括 2022年的《欢乐今宵：陈福善的艺术》及2018年的《湾仔文法：过去、现在、未来式》等。

展览策展人方敏儿表示：「我们相信艺术并非是单向的欣赏，而是艺术家、作品、空间与观众之间持续交流与互动的过程。基于这份信念，我们今年为公众带来『场域・碰撞・协作』旗舰展览，进行一场有趣而富实验性的艺术实践，摆脱纯粹展示作品的公式套路，特意配对不同文化背景及创作领域的艺术家，让他们以展览空间作为语境，透过创作对话，看看可以衍生出怎样的艺术多重宇宙。我们期待公众不只成为这观赏者，更可积极参与其中，与艺术家及作品产生连结，共同成就一场跨越界限、充满启发的艺术体验。」

公众成为第八个参展单位 与内地「玩世现实主义」代表方力钧艺术互动

公众参与是这场沉浸式体验不可或缺的元素，所以展览特设一系列工作坊及活动，邀请公众一同参与创作与交流。本地升级再造设计师带领将与公众到港岛大浪湾进行海岸清洁，收集塑胶废物并转化为创作材料，共同创造大型艺术装置。完成的作品将与方力钧以海洋废物为主题的艺术品并置展出，进一步传递环保讯息。

香港艺术中心旗舰展览「场域・碰撞・协作」

日期：2026年8月26日至9月20日
位置：香港艺术中心 （四至五楼包氏画廊及地下至4楼赛马会展廊）
票价：免费入场

拾塑・重塑  净滩及海废再生艺术工作坊 

呼应参展艺术家方力钧以海洋废物创作而成的作品，本地升级再造专家佰事得设计工作室将与公众同行，一起到港岛大浪湾清洁海岸，把从那里拾得的塑胶废物转化为创作材料，制成独一无二的艺术品。

日期：2026年8月23日
时间：下午1时30分至5时
地点：港岛大浪湾
报名：https://www.art-mate.net/doc/98693 

拾塑・重塑  海废艺术装置共创工作坊

由佰事得设计主持的工作坊，参加者亲手把海洋塑胶废料升级再造，共同创作大型艺术装置。此装置将于中心中庭，与方力钧同样以海洋废弃物制成的作品同场展出，来一场深度艺术对话。

时段：2026年9月5日下午2时至3时30分、下午4时至5时30分

2026年9月19日下午2时至3时30分、下午4时至5时30分
地点：香港艺术中心三楼大堂
报名：https://www.art-mate.net/doc/98695 

「场域・碰撞・协作」参展艺术家简介：

方力钧

1963年生于河北省邯郸市，1989年毕业于北京中央美术学院版画系。方氏偏爱以创作年份为作品命名，刻意避免赋予外在的叙事框架，让作品以其纯粹的视觉语言与观者交流。作为蜚声国际的艺术家，方氏已于世界各地举办近 40 场个展，并曾受邀参与威尼斯双年展、圣保罗双年展等国际艺术盛事，亦于全球20多所大学担任客座教授，其作品获美国现代艺术博物馆（MoMA）、法国庞比度中心以及日本福冈亚洲美术馆等顶尖机构收藏。

公众

公众摆脱单向的凝视，打开心扉，重整思绪，创造自己的声音与作品，与艺术家展开心灵的对话。
  
陈育强

九十年代香港当代艺术先锋及资深教育工作者，1952年生于香港，1983 年毕业于香港中文大学艺术系；及後在1988年取得美国密歇根州克兰布鲁克艺术学院美术硕士学位。陈氏擅长在复合媒介、水墨及书法上进行实验性探索。九十年代，他创出「家事」美学概念（domestic aesthetic），回应本地艺术家面对的空间限制，把生活物品转化为创意工具，为在受限环境中发展概念装置艺术另辟蹊径。他至今已参与超过100 场展览，包括第 51 届威尼斯双年展及第二届亚太当代艺术三年展。陈氏曾任《香港视觉艺术年鉴》主编，并在中大任教艺术逾 25 年，现为亚洲艺术文献库及雅礼协会顾问，常驻香港。

松井紫朗

日本当代雕塑家、八十年代关西新浪潮运动的领军人物之一，1960年生于日本奈良，在京都市立艺术大学完成学业。他最初声名鹊起，源自一系列幽默而饶有深意，并结合多种物料的雕塑作品。自九十年代起，松井以其与建筑完美融合的巨型特定场域气球装置创作扬威国际艺术舞台。他巧妙运用空间和膜状结构，创出富趣味而发人深省的作品，同时不断挑战人类的感知、空间意识以及内外之间的界限。

冯永基

身兼建筑师、设计师及水墨艺术家，1952年生于香港，15岁起接触中国水墨画，经常从香港本土景观汲取灵感。冯氏把独有的建筑师视角融入创作， 其多联画（polyptych）作品以与室内空间浑然契合而见称。前上海美术馆馆长方增先曾赞誉冯氏的作品为「精神的乌托邦」，体现了其将水墨从「风景描摹」升华至「空间诠释」的广阔创作视野。1989 年，他参与了由着名策展人巫鸿教授于美国哈佛大学策划的「中国当代绘画1984–89」大展，在水墨画坛崭露锋芒。冯氏创作足印遍及全球，曾于纽约、巴黎、北京、上海、亚维侬、台北、杭州及香港等地举办个展。其作品被多家国际企业及美术机构典藏，包括旧金山亚洲艺术博物馆、中国美术馆、上海美术馆（现中华艺术宫）、香港艺术馆、香港大学美术博物馆以及香港文化博物馆。

Picture Rhythm Studios

由互动装置艺术家Paul Shepherd领军的全球创意机构，透过互动与多媒体设计转化教育体验，让观众透过多感官追寻生命的不同层次与面向。PRS致力以戏剧化的方式进行「对话」，探索健康、环境、社会、以及身份等议题，引领观众以全新角度理解自身与世界。其核心方法是融合类比与数位媒介，将物理与虚拟物件同时纳入沉浸式叙事，并透过把观众置身于关键位置，营造惊喜与好奇。PRS团队由舞台设计师、投影映射与机械人专家、视觉设计艺术家及艺术文娱监制组成，透过跨界合作，突破表达界限，打造丰富多彩、具娱乐性与时尚感的难忘体验。 
 
Juri Hwang

韩裔媒体艺术家及研究者，常驻香港和洛杉矶，现为香港浸会大学电影学院研究助理教授。Hwang拥有跨领域媒体艺术与电影制作的教育背景，创作横跨艺术、科技、神经科学与叙事等领域的实验性研究工具，藉此探讨感官知觉，以及压迫与赋权等议题。她致力推动社会变革，透过社群协作与艺术介入，改善听障人士的声音自主权与生活质素。 其作品「Somatic Echo」是一项透过骨传导声音来体验身体聆听的声响作品，曾获奥地利电子艺术节（Ars Electronica）荣誉奖，而「Nightfield」则是一件探索声响记忆的多重感官装置。Hwang 也有多部合作作品，如「Bleeding Through - Layers of Los Angeles: 1920-1986」、「Three Winters in the Sun:Einstein in California」及「Venture to the Interior」。在目前的艺术介入计划 「Here, My Voice」中，她主导一项跨音乐、医学与叙事的合作研究，支持听障人士连结自身声音的力量，以提升自信与欣赏音乐的乐趣。

Andreas Kratky

来自德国的媒体艺术家，现为香港浸会大学创意艺术学院视觉艺术院教授兼总监，穿梭香港、洛杉矶及柏林之间进行创作。Kratky专注于电影新形态、具身体验，以及资料库与人工智慧中的诗学，其作品理念横跨艺术、人机互动与数位人文学科，并包含多项获奖的媒体艺术计划。主要作品包括互动式日本剧场纪录「That's Kyogen」、互动装置与DVD 「Bleeding Through -- Layers of Los Angeles 1920-1986」、演算法电影系统「Soft Cinema」，以及Christopher Marlowe歌剧「The Jew of Malta」 中的互动服装投影与舞台装置。Kratky的作品曾在欧洲、美国、日本与韩国等地的国际机构展出，包括伦敦当代艺术中心、东京ICC、柏林HDKW、巴黎庞毕度中心，以及洛杉矶REDCAT。他曾因参与建模软件「Xfrog」的开发，与有关团队共同获得美国电影艺术与科学学院科学技术奖提名。